El artista de hip-hop Frank Waln escupe rimas de la reservación

Habiendo sido presentado en Vocalo y MTV en WBEZ Música rebelde El rapero de 32 años de edad, Sicangu Lakota, Frank Waln, trae una marca única de hip-hop enmarcada a través de la perspectiva de un hombre Sicangu Lakota. Frank se sentó con nosotros para hablar sobre su viaje desde la reserva de Rosebud en Dakota del Sur hasta ser presentado en MTV, produciendo arte desde una perspectiva indígena y manteniéndose fiel a su historia.

Creciste en la Reserva Rosebud en Dakota del Sur. Las reservas son por diseño destinadas a ser remotas y aisladas geográficamente y culturalmente. ¿Estuviste expuesto a un montón de hip-hop creciendo?

Para mi generación, hubo. He estado pensando mucho en esto últimamente, especialmente teniendo la plataforma que tengo ahora, y también en obtener un entendimiento mucho mayor entre la gente negra y la gente indígena, y los indios negros. Tratar de pensar realmente por qué el hip-hop resuena tanto, con muchos nativos de mi reserva. Nuestros padres crecieron en el campo y el rock, pero mi generación, yo, todos mis primos, escuchamos el hip-hop.

Mirando mis propias experiencias, una gran parte del sorteo fue la representación. En ese momento, no teníamos a nadie, ni a los nativos en la televisión que pudiéramos admirar. Los nativos que vimos en la televisión eran tan estereotipados, tan elaborados por la mirada blanca, los veíamos y nos mirábamos a nosotros mismos y a nuestras familias y decíamos: "Ese no soy yo, no somos nosotros".

Cuando empecé a escuchar el hip-hop, esto fue antes de Internet, la música que consumí se transmitió a través de las personas que conocía. Mis primos mayores estaban escuchando todo tipo de hip-hop: cosas de la Costa Oeste, cosas de la Costa Este, incluso cosas de Houston, Texas, de sellos independientes. Lo miro hacia atrás y me pregunto cómo nos afectó en primer lugar.

Una vez que comencé a escuchar esa música, las cosas de las que hablan estos artistas eran cosas con las que podría relacionarme. Estaba creciendo en una comunidad pobre de color, y aunque estábamos aislados, había muchos paralelos. Entonces todos nos inclinamos por esas historias y esos artistas, porque eso nos representó mucho más que Hollywood, los indios que vimos en la televisión y toda esa mierda estereotipada. La música hip-hop estaba más cerca de nuestra verdad que cualquier otra cosa que tuviéramos.

¿Quiénes fueron tus influencias musicales?

Fue particularmente una canción, "One Mic" de Nas, lo que realmente me entusiasmó con la idea de hacer música de hip-hop. Cuando escuché esa canción, estaba como “Hombre, quiero hacer esto. Quiero hacer este tipo de cosas. Quiero hablar de esta manera ". Estaba comentando sobre su comunidad, pero también dijo que" podemos crear un cambio ", y eso fue realmente poderoso para mí. Outkast, también, porque estaban haciendo música muy honesta, no solo las letras y los ritmos, sino la producción.

Y todavía estoy en la música que escucharon mis padres: Hank Williams, George Strait y Creedence Clearwater Revival. Todavía escucho esos discos para la inspiración musical. Probablemente mi mayor influencia, en cuanto a la música y a decir verdad, es un activista y poeta indígena llamado John Trudell. Su primer album Voz tribal Fue él recitando poesía sobre canciones tradicionales de ceremonia. Probablemente sea mi álbum favorito de todos los tiempos.

¿Cómo fue el proceso de pasar de "¡Quiero hacer esta música!" A realmente hacerla?

Mi generación fue la primera generación que realmente podría producir música en nuestra reserva. Venimos de uno de los condados más pobres de los Estados Unidos, por lo que no había estudios; no habia nada Pero cuando estaba en la escuela secundaria, la escuela más grande en nuestra reservación obtuvo esta beca que le otorgó a cada estudiante un MacBook que venía con una copia de GarageBand. Ahora, no fui a esta escuela secundaria y tuve que ahorrar para comprar mi propia MacBook, pero gracias a esa subvención, tenía muchos niños en la reservación que escuchaban hip-hop, y ahora para el Por primera vez, podríamos hacer música en la reserva.

Todavía teníamos recursos increíblemente limitados, pero sí teníamos GarageBand y un micrófono para MacBook. No tuvimos que obtener un contrato de grabación, ni conducir cinco horas hasta el estudio de grabación más cercano y pagar las tarifas de estudio que no teníamos. De repente, a principios de la década de 2000, tuvo esta fuente de todos estos jóvenes artistas de hip-hop indígenas en las reservas de los Llanos, que ahora podían hacer música desde su hogar por primera vez.

Una vez que las redes sociales se hicieron grandes, nos dio una plataforma para compartir esa música. En el pasado, solo para entrar en un estudio necesitabas un sello discográfico o conocías a alguien que te ofreciera el dinero o el espacio para grabar el álbum. Y los sellos discográficos definitivamente no acudían a las reservas para firmar talento. Así que con las redes sociales, hemos podido obtener una apariencia general sin depender de los sistemas que nunca han tenido realmente espacio para nosotros.

Hablamos sobre el aislamiento, y lo que mucha gente no entiende es que cuando nos aislaron en las reservaciones también se cortó la comunicación entre tribus. En los viejos tiempos, la comunicación intertribal era tan importante. La gente viajaba y emigraba; compartieron conocimiento, historias y arte. Otra cosa que nos dieron las redes sociales, jóvenes artistas indígenas, fue la oportunidad de volver a conectar las comunidades que ha sido importante para todo nuestro arte. Antes de todos los tours y MTV, pudimos usar Facebook para promocionar programas en nuestras reservaciones.

¿La música que estás haciendo ahora está cerca de la música que empezaste a hacer a principios de la década de 2000 o ha pasado por algunas transiciones?

Fue totalmente transiciones y fases. Cuando empezamos a hacer música en casa, nos divertíamos, hombre. Miro hacia atrás y como artista, a pesar de que esas primeras canciones eran una mierda y eso me haría temblar de tener que escucharlas, mis amigos, mis primos y yo nos divertimos mucho. Imagínate por primera vez; Podrías hacer algo, crear algo. Incluso solo escuchar tu propia voz. Estar allí con mis amigos y primos rapeando estupideces fue realmente emocionante. Nunca antes habíamos tenido algo así, así que estábamos escribiendo tantas canciones como pudimos, simplemente divirtiéndonos.

Y luego pude ahorrar suficiente dinero para construir un pequeño estudio en el sótano de mi prima y formé un grupo con amigos y familiares. Fui yo, y mi primo menor Colin, mi primo en la ley Andre Easter, otro primo Tom Schmidt y una cantante llamada Kodi DeNoyer. Así que hubo una increíble mezcla de influencias: Colin y yo éramos niños rez, Andre es un tipo negro que actuaba en Virginia antes de mudarse a Rosebud, Tom, un mocoso militar nativo negro, y Kodi, una cantante de Lakota, todos Trayendo diferentes estilos y perspectivas. Así que volviendo a las influencias, la grabación con esas personas definitivamente contribuyó a dar forma a mi sonido y estilo hoy.

Antes de que su música comenzara a explotar, usted era un estudiante de medicina. Cuéntame sobre esa transición.

Justo después de la escuela secundaria obtuve esta beca realmente increíble, la Beca Gates-Millennium, así que tuve este boleto de oro para ir a la universidad. Ni siquiera pensé que iba a ir a la universidad hasta que obtuve la beca. Así que me fui a la Universidad de Creighton en Omaha, Nebraska, para estudiar pre-medicina durante dos años. En ese momento, estaba escuchando lo que todos los que me rodeaban estaban diciendo. De donde soy, no mucha gente va a la universidad, así que todos decían: "Frank, esta es tu oportunidad. Sea un médico, sea un abogado, vuelva y ayúdenos, ayude a su gente ".

Definitivamente quería ayudar, definitivamente quería ser un sanador para mí y para mi comunidad, y en ese momento pensaba que ser médico era la única forma de hacerlo. Así que hice pre-medicina durante dos años, y me quemé un poco; Me di cuenta de que la medicina no era mi pasión. La música era, así que volví a la rez por un año, y decidí poner todo en la música y descubrir cómo podría usar eso como una herramienta de curación y ayuda.

Después de un año, decidí volver a la escuela, a Columbia College Chicago, donde finalmente obtuve mi título. Comencé a mezclarme con otros artistas de color, quienes me ayudaron a darme cuenta exactamente cómo podía usar la música como una manera no solo de contar mi historia, sino también de usar la música como un medio de curación. De hecho, fue esta increíble profesora, una mujer negra llamada Claudette Roper, fue la primera persona que me mostró que mi historia vale algo y que mi verdad es poderosa. Su consejo y mentoría, cambió mi carrera y mi vida.

Usted mencionó lo importante que es la representación. ¿Su éxito reciente viene con un sentido adicional de presión o responsabilidad?

Fue durante ese tiempo en Columbia que comencé a darme cuenta de mi responsabilidad de decir mi verdad y contar mi historia. Tuve suerte: la gente comenzó a prestar atención. Trato de estar muy atento. Soy un artista sin firma, soy un niño de una de las reservas más pobres de Dakota del Sur, y aquí estoy siendo entrevistado por Playboy y apareciendo en MTV. Nadie ha hecho eso antes, y soy muy consciente de eso. Estoy atento a cada paso hacia adelante, porque estoy en aguas inexploradas, por lo que soy muy cuidadoso con la forma en que estoy representando a ese respecto.

A medida que avanza mi plataforma, siempre quiero hacerlo mejor.¿Cómo puedo hacer mejor música, cómo puedo hacer una mejor actuación, cómo puedo ser mejor en la curación? Encontrar mejores maneras de elaborar mi verdad y mi verdad y mi historia de una manera que las personas fuera de mi comunidad también puedan relacionarse. Siempre quiero poner una canción o hacer una actuación que haga vibrar a la comunidad nativa de rez, pero al mismo tiempo, también a personas de rock en Alemania.

Has estado de gira por los Estados Unidos y Europa durante el año pasado. ¿Ves una diferencia en la forma en que te reciben ahora que tu audiencia se está volviendo más diversa?

Bueno, comenzaré diciendo que hacemos exactamente el mismo conjunto, ya sea que estemos en la red, en una universidad en los EE. UU. O en Alemania. Nuestro rendimiento es muy similar al de los cuentacuentos VH1. La narración de historias es muy integral para mí como persona, los otros artistas con los que actúo y también mi propia cultura; Los lakota son grandes narradores. Así que hago mucho de contextualizar entre canciones; Esta es la razón por la que escribí esta canción, aquí es de donde vengo. Así que si estoy en el juego de rez para los niños nativos, la contextualización será diferente a la de un programa en Alemania, digamos, pero el conjunto será el mismo.

En cuanto a ser recibido … es salvaje, obtenemos amor sin importar dónde estemos. El amor es diferente Dependiendo de donde estemos. Estoy empezando a sacar la música del país indio, y ahora que he hecho las giras por todo el país y he estado en Europa, realmente estoy empezando a procesar eso por primera vez.

En casa, el amor es más profundo … y tal vez amor sea la palabra equivocada, tal vez sea apreciación. Especialmente de niños nativos. Ellos entienden por lo que estoy pasando y yo entiendo por lo que están pasando. Entonces, para que vean a alguien que viene de la misma lucha, que hacen lo que aman y que siguen siendo fieles a quienes son como un niño Lakota de una reserva, esa apreciación tiende a ser más profunda. Es la casa, así que me mantiene centrada. Si voy a casa y la gente dice: "¿Qué demonios estás haciendo? ¡No eres el mismo Frank! ¿De qué estás hablando en tu música? ", Me dejaría saber que necesito mirarme y descubrir cómo me estoy alejando de mi camino.

Fuera del país indio, la gente aprecia mucho la música y también la perspectiva. Muchas personas nunca han escuchado nada de nuestra historia. Nunca han visto una actuación con baile indígena combinada con esta poderosa historia. Cuando actuamos, lo dejamos todo en el escenario, hombre. Lloro casi todas las noches en el escenario; Ahí es donde suelto toda la rabia, toda la frustración, todo el dolor. Así que es un rendimiento muy poderoso. Creo que los no nativos tienden a apreciar mucho esa perspectiva, y que fue entregada de una manera tan impactante y honesta.

Y aquí es donde la música y el arte son tan impresionantes. Por ejemplo, podría sentarme en el escenario y leer un montón de políticas de los EE. UU., Pero si puedo hacer una canción en la que hable sobre cómo esa política resultó en un evento específico que fue traumático en mi vida, y transmitir la emoción a través del espectáculo. y hacer que la audiencia sienta esa emoción, es mucho más impactante. Y la gente de todo el mundo lo ha apreciado; la historia y la emoción, tomando la verdad indígena de la que tal vez no sabían mucho y haciéndola realidad, algo que pueden sentir. Y estoy agradecido por la oportunidad.

Su música definitivamente viene de una perspectiva indígena, pero también como artista independiente, también ha podido enmarcar la producción del arte a través de una lente indígena.

A medida que mi plataforma se expande, incluso en la forma en que defino la definición de "éxito" es algo que trato de enmarcar la perspectiva indígena. Estoy separado de este colectivo de artistas indígenas llamado Guerreros de ensueño, fundada en parte por una increíble mujer indígena llamada Tanaya Winder. Ella es educadora, poeta, artista, editora de una revista literaria de mujeres de todo color y ahora mi mánager. Así que con ella, y con otros dos artistas indígenas de hip-hop que está manejando: Mic Jordan en Dakota del Norte y Tall Paul de Minneapolis, formamos un colectivo. No necesitamos celos, no tenemos que luchar por un "lugar", no tenemos por qué luchar … tenemos que trabajar juntos. Para nosotros, una gran parte de cómo definimos el "éxito" es cómo podemos elevarnos mutuamente y ofrecer oportunidades a otros artistas.

Como colectivo, decidimos sacar una pequeña parte de cada actuación y asignarla a un fondo de becas para estudiantes de último año de escuela secundaria nativos que desean explorar el arte en la educación superior. Queremos poder poner a otros artistas, incluso si la música no es su medio. Incluso enmarcamos la beca desde una perspectiva indígena: no dijimos "Tu arte tiene que ser esto, esto o esto", les pedimos a los solicitantes que nos cuenten cómo se definen. su Art º. El primer año de aplicación, tuvimos tres candidatos: dos artistas visuales y un chef. Para mí eso fue realmente increíble, que esta joven viera cocinar como su arte. Esa es una visión muy indígena de la comida y el arte: cocinar, alimentar a tu gente, es amor

Desde una perspectiva indígena histórica, el "arte" no tiene tanto compartimiento como en el mundo occidental. Para mí, todo, desde cazar Buffalo hasta poner un tipi era considerado una forma de arte. Se trata de amor y comunidad, y para mí, expresando que, en cualquier forma, es un arte que debe ser atesorado y elevado. Entonces, desde nuestro colectivo, estamos tratando no solo de hacer música, sino de traer oportunidades a casa desde una perspectiva indígena.

¿Qué quieres que la gente quite de tu música?

Honestidad. Eso es tan grande, tanto personal como desde el punto de vista musical. Si son nativos que viven en una reservación y conocen las historias que estoy contando, o son no nativos que nunca han escuchado estas perspectivas en sus vidas, quiero que la gente pueda sentir la honestidad en mi música. Entonces, donde sea que esté, puede decir: “¡De acuerdo, este tipo está contando mi historia!” O “¡Aunque no estoy familiarizado con esta perspectiva, no hay forma de que pueda argumentar que no está diciendo su verdad!”

** ¿Qué es lo que viene para ti en 2016?"

Estamos haciendo shows en todo Estados Unidos y Canadá en los próximos meses. A finales de este mes, estaremos en SXSW, luego en Lehigh University y en el One Nation Film Festival en Colorado. Acabo de encerrarme en una residencia de artistas en la Universidad de Delaware para abril y la primera parte de mayo. Haré algún tipo de divulgación en el campus, pero principalmente trabajaré en un hospital de niños con un musicólogo y un musicoterapeuta que exploran la música que se está curando con niños en el hospital. Es una forma de seguir aprendiendo y de seguir mejorando. Realmente se siente como si todo estuviera en su totalidad, pasando del pre-medicina al uso de la música como una herramienta de curación para otros en un entorno hospitalario. Estoy muy emocionada de tener esa oportunidad.

Por supuesto, la gran noticia es que lanzaré mi primer álbum en solitario a finales de este año. Se llama Tokiya, que es la palabra Lakota para "primera creación". Una gran parte de mi historia y la historia de mi comunidad es cómo nuestra lengua y cultura se han eliminado como parte del proceso de colonización y genocidio. Eché un vistazo al marco de cómo vivía nuestra gente: la narración, la música, el lenguaje, básicamente la forma en que vivimos nuestras vidas, porque eso es arte para mí. Este álbum va a ser algo especial, se trata de reconectarme con mi cultura y mi hogar, y con mi propia curación y también desde la perspectiva más amplia de Lakota.

Estoy trabajando con un montón de grandes artistas de casa y de todo el mundo. Musicalmente, va a ser una gran paz artística y también la forma en que se enmarca en la perspectiva indígena, que, como artista, soy muy autocrítica, nunca estoy realmente contenta con lo que publico, pero nunca Me sentí tan bien por cualquier cosa que haya hecho.